Tornando-se Art no MoMA

Mais forte do que qualquer pílula, a arte tem o poder de transmutar dor pessoal em domínio sobre o passado.

Essa idéia tornou-se intensamente clara quando entrei em uma enorme prateleira com cordão no átrio do segundo andar no Museu de Arte Moderna para se juntar à artista de performance Marina Abramović. Juntos, nos tornamos uma única e viva obra de arte.

Talvez a forma final de interagir com a arte, a participação ativa seja a prática de se tornar a arte em si, o que pode levar a percepções pessoais, prática meditativa ou criatividade aumentada e, no que diz respeito à peça de desempenho em curso no MoMA, triunfar sobre o trauma.

A peça de assinatura dentro de "The Artist is Present", a retrospectiva do trabalho de Abramović durante décadas, envolve o artista sentado em uma cadeira desde o momento em que o museu abre na manhã até o instante, fecha para o período de quase três meses da exposição. Vestindo um vestido azul longo que obscurece as pernas e os pés, Marina senta-se solemnemente, as mãos nos lados, mantendo-se imóvel quando ela se "redefina" quando uma pessoa sai e outra ocupa a cadeira em frente a ela e uma mesa vazia.

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Um de cada vez, os participantes sentam-se na cadeira em frente ao artista e seus dois rostos (mentes, eus) se estudam com uma intensidade raramente alcançada na vida cotidiana. O perímetro de forro branco de uma enorme arena quadrada delimita o espaço ordinário do reino especial. E o participante permanece lá, em comunhão tácita com o artista, pelo tempo que desejar ou a capacidade de permissão de permanência.

Um homem mustachioed, cujo rumor não fundamentado atinja como funcionário do museu, passou quase uma hora de frente para o artista. Mas pareceu-me que, ao contrário do que ouvi um observador acentuado de cockney, "como uma competição de observação exagerada", a arte consistiu principalmente em atenção dirigida para dentro, não para fora.

Isso faz sentido quando você considera como é olhar para alguém por um longo período de tempo. Ou o que é fazer qualquer coisa de forma constante ao longo do tempo, como droning highway driving, roked showering, ou repetitivo assembly line work. Um entra em um estado quase hipnótico, onde a atenção de alguém se dirige a pensamentos e memórias, idéias e sensações nostálgicas, enfocando menos a tarefa monótona em questão.

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No trabalho no MoMA, a meditação interna / externa implícita torna-se uma oportunidade, e o contexto da ação como arte sublinha seu potencial de transformação criativa. Este não é simplesmente um ioga e aprendiz em contemplação mútua clausurada dentro de um templo alpino. Em vez disso, é auto-consciente novela, uma criação multidimensional: articulação dinâmica do espaço; Corpos vivos que ocupam um "quarto" escassamente designado com móveis sem adornos; uma reunião casual de artistas e outros auto-selecionados antes de uma audiência de visitantes de museus, eles próprios participantes involuntários podem comentar, esticar, zombar, zombar, ignorar ou se conectar com o espetáculo que lhes é apresentado.

A experiência de sentar-se com Marina e seus benefícios psicológicos associados variaram de uma pessoa para outra. Eu realizei um briefing casual e não solicitado de participantes para descobrir por que muitos sorriam uma vez que se levantaram da cadeira e voltaram para suas vidas comuns além da linha branca. Uma mulher me contou sobre a expectativa de que "você entenda isso, ela vai lhe fornecer as respostas, como ela é essa grande guru. Mas não tenho certeza de como me sinto ainda. Parecia que valia a pena, mas não tenho certeza de como exatamente. "

Outro participante relacionou uma simpatia menos ambígua e emocionalmente evocativa com o artista:

"Eu senti que eu poderia comunicar com o artista em uma dor compartilhada. Eu podia ver em seu rosto a angústia de mil gerações, e a calma misteriosa que vem aumentando acima dela para poder viver . Eu fundi com o artista do lado de fora, pois houve uma ameaça considerável para o meu alcance da cabeça da linha no tempo.

Quase quatro horas de espera começaram a parecer insuficientes por causa de alguns "porcos de tempo" na minha frente. Eu estava especialmente determinado a tirar algo disso, mesmo que eu não tivesse conseguido sentar com ela, então eu focalizei meu olhar no rosto de [Abramović] e minha visão afiou como uma lente de teleobjectiva. Eu estudei os vincos e a calma e eu desapareci no nosso olhar mútuo, mesmo em um ângulo oblíquo ".

Aqui, a participação suscita uma compreensão mais profunda do eu interior, o que eu entendi como o processo de cura da arte. O buscador de arte torna-se inextrincável da arte. Ocorre uma fusão. Abramović, como arte viva, presta seu próprio sofrimento auto-imposto a um participante, de modo que uma reparação profundamente pessoal, mesmo transgeneracional, pode ocorrer. Pode não ser o que o artista teve em mente, mas não importa. O que conta de uma perspectiva de cura de arte é que o trabalho oferece uma maior visão psicológica para um espectador interiormente atento.

Por um lado, a percepção tomou forma como sua própria compreensão intuitiva, aprofundando e se ampliando naqueles momentos de fusão, uma mente austera misturou refletindo o que ele não poderia ver em si mesmo: uma capacidade genuína de resistência incansável e realização ilimitada.

O que ficou claro, naturalmente, de forma intuitiva e sem palavras, foi como a realização de uma dor de domínio geral, sobre o eu, sobre a mente e o corpo, sobre os outros e sobre o momento atual – molda o futuro, permitindo que as dores do passado diminuam para a distância, seu poder diminuiu para gemidos inaudíveis, inchados e ineficazes como as mãos de Abramović depois de um dia inteiro de arte.

A arte, especialmente o tipo que nos desafia, tem um potencial valioso como força de cura. Para um benefício máximo, devemos abrir-nos para abraçar plenamente a experiência que oferece.

Para avançar, devemos participar.

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