Edvard Munch, o pintor mais famoso da Noruega, particularmente pela obra icônica “The Scream”, supostamente lutou contra a depressão e a ansiedade, além do possível distúrbio bipolar. Ele sofreu várias tragédias importantes no início da vida, com sua mãe e irmã morrendo de tuberculose quando ele tinha 5 e 14 anos, respectivamente; outro irmão morreu pouco depois de se casar, e outra irmã lutou contra a doença mental. Esses traumas afetaram claramente os temas sombrios de seu trabalho durante seu período artístico mais conhecido, com suas figuras magras e mortas.
A vida de Munch preenche as mudanças cataclísmicas do vitorianismo ao modernismo, assim como sua versão única do expressionismo. Seu período mais fecundo e possivelmente mais visionário do final do século, a série “Friso da Vida”, quase que caricaturalmente esboça as mais sombrias ansiedades da psique humana. A franqueza em si é uma declaração devastadora; O Grito é aquele ícone explosivo literal da angústia moderna, antes que essas expressões literais existissem. Infelizmente, implodiu em seu próprio impacto; O pós-modernismo irônico transformou o Grito em um “herói” não intencionalmente hilariante do niilismo em que todos nós nos tornamos entorpecidos nesta era de longa vida útil e vida rápida e de fácil acesso. Mas quando o Grito surgiu pela primeira vez, não foi motivo de riso.
Uma retrospectiva do MOMA sobre o trabalho de Munch, realizada em 2006, manteve a cronologia do desenvolvimento de Munch em paralelo à consciência histórica em si. Esta narrativa de pinturas trouxe novos insights que eu não percebi ao ver uma variada gama de suas obras e desenhos no Munch Museet e na National Gallery em Oslo, Noruega, em 1996. Em Oslo, a arte impressionou você com seu novo impacto e cores fortes. horrores da alma e desejos torturados. O famoso Grito original estava em uma sala de outras pinturas aleatórias em um pequeno quarto digno; o trabalho icônico foi coberto por trás de vidro grosso e uma moldura antiga. Tinha sido recentemente devolvido da terra dos ladrões e parecia ainda mais sufocado e preso atrás das armadilhas rígidas. Para não ficar para trás, ladrões eventualmente roubaram outra cópia do Munch Museet em 2006, que foi recuperada dois anos depois.
No espaço vazio do MOMA, as pinturas pareciam estranhamente perdidas e, no entanto, também bastante interessantes, porque mais uma vez, a qualidade de ligação de seu estilo reverberava de maneiras interessantes que até Munch nunca poderia ter previsto, muito parecido com o destino do Grito. Houve algumas brigas iniciais nas técnicas impressionistas, mesmo pontilhismo ao estilo de Seurat durante seus primeiros 20 anos, plácidas cenas da cidade vitoriana e retratos pintados até então com certa impaciência e instabilidade de linha, como se a mudança de fase já estivesse começando a tremer bem embaixo. pistas estabelecidas. Rapidamente, na década de 1890, seu estilo de marca registrada explodiu, as figuras quase góticas e borradas se achataram em sua própria coleção de símbolos escandinavos. Sofreram cenas dolorosas e traumáticas de sua infância e fracassos românticos em grandes telas. Sombrio, místico, simbolista e totêmico, mas também chocantemente óbvio e aberto. O filme de terror moderno começa aqui com imagens de morte de rosto de caveira; ambas as cenas verdadeiras de sua irmã e mãe morrendo e cenas fantasmas de pessoas aleatórias em cidades, casas rurais, florestas, sem escapatória do Grim Reaper. O espectro do inverno longo e frio permeia até mesmo os breves vislumbres do sol e da vida potencial em uma pintura de um jovem casal de fazendeiros, pintada em cores de crepúsculo e crepúsculo, ou de uma jovem cantando ao lado de um lago enluarado. Cenas de amor estão cheias de desejos não correspondidos, faces se afastando umas das outras. As mulheres são sempre retratadas em vários estados figurativos; fantasmagórico, sonhador, inocente ou vampiro. Eles são sempre efêmeros, desaparecendo, mas suas impressões são vivas, maiores que a vida.
Munch foi hospitalizado por um colapso nervoso por volta de 1908. Sua arte pós-colapso, embora considerada menos famosa e visionária que seu trabalho no período Frieze of Life, é fascinante de se observar em sua evolução no século XX. Os golpes se tornaram mais fragmentários, vacilantes, como se tivessem atingido uma nova frequência energética. As cores ficaram visivelmente mais brilhantes, mais otimistas. Seus assuntos tendiam a ser cenas mais cotidianas da natureza ou retratos. Passou pelo buraco negro, a intensa densidade de sua trágica “adolescência” em um novo estado de espírito lascado e cintilante. Seus auto-retratos refletiam essa jornada, indo além de intrigantes aparições sombrias em seus trabalhos anteriores, a visões francas de si mesmo no Inferno, e depois a interpretações mais calmas, maduras e factuais. Seu último autorretrato foi sua obra-prima final, um resumo da residência de seu artista e, por sua vez, toda a sua carreira, um quarto amarelo brilhante, estreito e profundo, onde ele fica no meio, velho mas inabalável, com a cabeça virada para cima. estilo de marca registrada, encarando o espectador diretamente, mas indo além, como a garota da Voz.
De alguma forma, em meio a intensa tristeza e morte, e suas próprias lutas com doenças mentais e alcoolismo, Munch conseguiu sobreviver com alguma fama como um artista de vida longa, mesmo conseguindo desafiar a queda da cortina nazista. Sobrevivência gera sua própria declaração. Ele abriu a porta para a era moderna e, em vez da Caixa de Pandora, encontrou a luz branca da evolução pessoal.
