A arte visionária de Yayoi Kusama

A arte de Kusama nos ensina a viver.

Alguns artistas estão realmente à frente de seu tempo, e como visto tragicamente no caso de Vincent Van Gogh, sua fama ocorre postumamente após uma vida inteira de dor, incompreensão e pobreza. Outros recebem fama e fortuna muito rapidamente, quando são jovens demais para controlar a disseminação de seu talento, e são vítimas de uma série de influências trágicas (como acontece com Jean-Michel Basquiat). Outros têm sorte, muitas vezes alinhados com alguma influência do establishment para ajudar seu poder, como dinheiro ou laços familiares anteriores, ou são perspicazes e egoístas o suficiente para controlar seu poder.

Quarto Infinity

Fonte: Fonte: Jean Kim

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A história de Yayoi Kusama não é bem nenhuma dessas narrativas, mas uma mistura de algumas e, finalmente, animadora. Ela buscou treinamento artístico desde a infância, já tendo desenvolvido sua marca registrada de “bolinhas infinitas” aos 10 anos, mas simultaneamente no contexto dos primeiros sinais de psicose e alucinações enquanto a Segunda Guerra Mundial se enfurecia. Ela teve alguns brushes iniciais com fama em seus 20 anos, tendo sido inspirada a se mudar para a América por ninguém menos que Georgia O’Keeffe, que gentilmente respondeu a uma carta pedindo conselhos sobre uma carreira artística. Nos anos 1950 e 1960, ela rapidamente conseguiu se juntar ao movimento de vanguarda em Nova York e se juntou a outros figurões artísticos como Eva Hesse, Donald Judd, Joseph Cornell e Andy Warhol. Apesar dessas conexões, ela lutou financeiramente e com doença mental, levando a várias hospitalizações e um eventual retorno ao Japão em 1973.

No Japão, tornou-se residente de longa duração em sua instituição psiquiátrica (mesmo considerando-a sua residência voluntária até hoje) e continuou a produzir inúmeras obras de arte. Ela citou a arte como o que salvou sua vida. Então a fama atingiu o século 21.

A arte de Kusama, com elementos de expressionismo abstrato e arte conceitual, começou a ganhar força na década de 1990 e nos anos 2000, com imagens altamente gráficas, coloridas e um tanto futuristas, alinhadas de alguma forma com o espírito da era da internet. Ele explodiu com o preparo do Instagram das Infinity Rooms: o conceito definitivo de selfie concebido décadas antes do selfie. Essas salas são pequenas câmaras de espelho independentes, permitindo que o espectador perca simultaneamente a identidade eo senso de si na infinidade de uma imagem repetida evocando o universo, mas também se sinta estranhamente íntimo e em si mesmo, dando a unidade com aquela imagem repetida. dentro de um espaço silencioso. A ideia tornou-se um espelho literal da crescente repetição de selfies distribuídas rapidamente pelo mundo através das mídias sociais, e a sensação de auto-expansão simultânea, mas auto-desintegração causada pela perda de privacidade e ampla distribuição.

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Essa brilhante concepção provavelmente provinha em parte de sua doença mental; embora seu diagnóstico específico não tenha sido descrito, ela observa um curso de sintomas vitalício consistente com psicose e possível esquizofrenia, que comumente está associado a alucinações e problemas com a desintegração do senso de identidade e identidade, levando à ansiedade e à paranóia. (Um sintoma comum é a inserção e a projeção do pensamento, em que se perde a sensação de que os pensamentos são ou são plantados por outras pessoas ou estão sendo enviados a outros em uma forma de comunicação universal.) Sua arte era uma maneira terapêutica e engenhosa de reconsolidar esse medo da desintegração, submetendo-o a imagens belas, arrojadas e criativas que de fato se comunicam com todas as pessoas. A sensação de auto-obliteração e repetição, em vez de se sentir assustadora, é impregnada de beleza e, com frequência, uma mistura delicada de alegria e tristeza: Centenas de abóboras brilhantes ou votivas em um quarto escuro evocam calor e admiração, mas também solidão e mortalidade. A realidade cotidiana está sempre em perigo de se confundir com o infinito; Essa percepção fornece um profundo senso de profundidade por trás de nossa existência cotidiana aparentemente banal. Tudo está conectado, o que dá uma sensação de poder, mas também de fragilidade, pois o tempo significa que a conexão é tênue e está sempre mudando, sempre repetindo. Há uma concepção de mecânica quântica para a maneira como a arte de Kusama apresenta luz, cor e imagem como nuvens de representação fluidas e repetitivas. Há também uma sensação subestimada de diversão infantil e inocência para sua arte; a criança vê essas realidades com uma curiosidade inocente, uma novidade que pode ajudar a temperar o sentimento de irresolução e confusão e a escuridão por trás dessas idéias. Suas exposições são muitas vezes interativas, encorajadoras de brincadeiras, onde todo mundo cola adesivos coloridos em qualquer lugar em uma sala de estar branca. Não há problema em não conhecer completamente ou entender tudo no universo; você pode apenas estar aberto ao olhar. Awe pode substituir o medo.

As exibições de Kusama agora são recebidas por linhas massivas fortemente regimentadas por limites de tempo, com ingressos que se esgotam em nanossegundos pela internet. Ela parece estar desfrutando de seu status recém-icônico em seu final dos anos 80, prontamente participando de entrevistas com roupas e cabelos cor de neon. Um novo documentário sobre ela foi lançado recentemente. Ela perseverou e capturou uma fonte de juventude apesar de suas dificuldades. O tempo para ela agora é um brinquedo de bolinhas.

Referências

https://www.theguardian.com/lifeandstyle/2016/may/21/yayoi-kusama-interview-artist