Auto-criação e autodestruição: o caso de Sylvia Plath

A poeta Sylvia Plath foi incapaz de transformar sentimentos autodestrutivos em criação.

A poetisa Sylvia Plath foi incapaz de transformar a criação em autocriação, a construção de novos e valiosos aspectos da personalidade e da emoção. Embora grande parte de sua poesia seja repleta de imagens vibrantes e belas, há outra tensão em seu trabalho que, acredito, prediz seu suicídio aos 31 anos de idade. Fortes impulsos para a destruição e para a criação aparecem em muitos de seus poemas. Há novas imagens do lado sinistro e mortal das coisas caseiras da cozinha e dos corpos e flores vivas. Essas imagens transformam tanto o vivo quanto o mortal; eles fazem a morte parecer bonita e a vida parece ameaçadora.

Os ritmos silenciosos e resignados de suas linhas contrastam com a amargura, o ressentimento e o ódio nas palavras e a destrutividade por trás das palavras, produzindo uma estranha excitação e vitalidade. Mas, enquanto seus sentimentos destrutivos são frequentemente fundidos em criações poéticas, há pouco trabalho através desses sentimentos e pouca indicação de qualquer descoberta das fontes psicológicas de suas preocupações. Por exemplo, em um dos poemas que ela escreveu pouco antes de ela morrer, “Edge”, há excessos notáveis;

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Fonte: Albert Rothenberg

A mulher é perfeita.

Seus mortos

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O corpo usa o sorriso de realização

A ilusão de uma necessidade grega

Flui nos pergaminhos de sua toga,

Ela nua

Os pés parecem estar dizendo;

Nós chegamos tão longe, acabou.

Cada criança morta enrolada, uma serpente branca

Um em cada pequena

Jarro de leite, agora vazio.

Ela dobrou

De volta ao corpo dela como pétalas

De uma rosa perto quando o jardim

Enrijece e os odores sangram

Das doces e profundas gargantas da flor da noite.

A lua não tem nada a ser triste,

Olhando de seu capuz de osso.

Ela está acostumada com esse tipo de coisa.

Seus negros crepitam e se arrastam.

O poema começa com as belas linhas, mas arrepiantes:

A mulher é perfeita. Seus mortos /

O corpo usa o sorriso de realização …

Olhando para essas linhas retrospectivamente, com o conhecimento de seu suicídio logo em seguida, podemos, é claro, ver uma declaração clara de sua intenção. Mas este não é o excesso de que estou falando, porque há criação poética nas linhas, apesar de seu tom macabro. Eles são paradoxais e um tanto empolgantes; eles estimulam uma progressão de pensamento. Mas logo após essas linhas, encontramos o seguinte:

Cada criança morta enrolada, uma serpente branca

Um em cada pequena

Jarro de leite, agora vazio.

Ela dobrou

De volta ao corpo dela como pétalas

De uma rosa perto quando o jardim

Enrijece e os odores sangram…

Acredito que estas últimas linhas sejam pouco criativas, porque nelas a destrutividade se tornou excessiva e saiu do controle. As crianças retornam ao corpo da mãe simplesmente porque ela não pode mais doar. Ela e seus seios – os jarros de leite – estão vazios e secos. As crianças são envolvidas de volta em seu ventre, de volta ao passado, de onde elas vieram. Eles são destruídos simplesmente porque ela é destruída. Além disso, eles são chamados de serpentes, um nome cuja negatividade é apenas ligeiramente modulada neste contexto pelo adjetivo “branco”. Em paralelo com os excessos destrutivos nessas linhas, as imagens poéticas apresentadas são inconsistentes e dissonantes. As serpentes não vão com jarros de leite e as pétalas da rosa não se fecham como fazem outras pétalas de flores. Parece que a rosa é usada principalmente por causa de sua rima com “fechar”; tal rima desunida de significado é distintamente não-poética e sem criatividade. As imagens e metáforas são fragmentadas e as ideias expressas, destrutivas.

Chamo a atenção para essas linhas em particular para mostrar como o equilíbrio entre a destruição e a criação na arte pode ser precário, assim como o equilíbrio entre a autocriação e a autodestruição pode ser precário na vida. Sylvia Plath começa seu poema com uma afirmação de triunfo sobre a morte, o “sorriso de realização”, mas ela não pode levar seu triunfo adiante. Uma sensação de triunfo sobre a morte é comumente associada a um senso subjetivo de liberdade – para a maioria de nós. Mas neste poema, não há liberdade; há apenas a volta das crianças de volta às origens, de volta ao passado.

Ted Hughes

Fonte: Albert Rothenberg, usado com permissão

Há razões para acreditar que o problema com sentimentos destrutivos contidos neste poema refletia de perto os problemas de Sylvia Plath com sentimentos destrutivos em sua vida. Ela cometeu suicídio aproximadamente sete meses depois que seu marido, o poeta Ted Hughes, se separou dela. Deixada com a total responsabilidade pelo cuidado de suas duas crianças muito pequenas, ela parece estar constantemente envolvida em uma luta com sentimentos hostis em relação a elas. Muitos de seus poemas inacabados – possivelmente inacabados por serem tão dolorosamente pessoais – durante esse período sugerem tal luta, e as circunstâncias de seu suicídio também o indicam. Aqui está um trecho de um:

Ela odeia

O pensamento de um bebê

Ladrão de celas, ladrão de beleza

Ela preferiria estar morta do que gorda

Morto e perfeito, como Nefertiti

Ligando o gás no fogão da cozinha no início da manhã, enquanto as crianças dormiam nas proximidades, ela não fez nenhuma provisão para protegê-los da fumaça que tirou sua própria vida. Eles sobreviveram por acaso ao invés de design. É impossível saber se ela intencionalmente pretendeu ou não matar seus próprios filhos, mas há pouca dúvida sobre a expressão de tais sentimentos destrutivos em relação às crianças no poema “Edge”. As “serpentes” são brancas e são brutalmente envolvidas na mãe, mas eles são assassinados, no entanto.

Acredito que Sylvia Plath não poderia transformar seus sentimentos destrutivos em criação poética nessas linhas, porque ela estava usando a poesia principalmente para controlar, em vez de criar. Em outras palavras, ela tentou expressar sentimentos destrutivos em forma poética, a fim de expulsá-los e externalizá-los. Tal tentativa de expressão indireta funciona apenas para controlar os sentimentos, em vez de modificá-los. Ele busca o equilíbrio, um estado estático em vez de progressivo. A boa poesia não faz isso; ela tenta se aprofundar nos sentimentos, entendê-los ou utilizá-los de maneira progressiva. A escrita da boa poesia envolve que o poeta se liberte do passado até certo ponto, alcançando algum entendimento e um movimento para o futuro. Uma das fontes de nosso próprio prazer da poesia é nossa identificação vicária com a luta do poeta pela compreensão e pela liberdade. No caso deste poema em particular, Sylvia Plath não poderia transformar totalmente a destrutividade na criação e não poderia se libertar o suficiente do passado para se mover em direção ao futuro. Como sabemos agora, esse estado anunciava sua autodestruição.

Assim como a excessiva necessidade de controle interfere na transformação da criatividade em criação na arte, ela interfere na transformação de sentimentos autodestrutivos em um processo de autocriação na vida.